kusama, 300000 selfies, la otredad

como de costumbre, con mucho de lo que sucede en nuestro méxico, nos encanta echarnos mierda y criticar con toda la mala leche del mundo posible.

en lugar de que nos alegre que un museo logre recibir más de 300,000 personas en el periodo de una exposición (muy específicamente: museo tamayo, exposición "obsesión infinita" de yayoi kusama, 26 sept., 2014 - 18 ene., 2015) y que nos alegre se haya generado una enorme expectativa por asistir (el maratón de 36 horas para el último fin de semana es algo de lo que no tengo referencia que haya sucedido antes en México, puedo estar equivocado), ya sea por ver la obra de una artista que –seamos muy honestos- nadie conocía antes (nota 1: yayoi kusama: japonesa, nació en 1929, sigue viva, muy prolífica cuando está en proceso creativo que suele ser obsesivo y compulsivo, medio loca, relevante en los 70s, muy dada a las instalaciones o el arte objeto) o ya sea por entrar a las piezas que hemos visto en redes sociales estos meses y, si se puede, hacerse una selfie o tomar fotos (nota 2: vivimos una época donde todo es ícono, nos referimos a la foto para demostrar que se estuvo ahí, se hizo aquello, la imagen se vuelve se vuelve la prueba de credibilidad), veo con bastante horror los posts y los tuits quejándose de que la gente fue al museo y que hacía fila y que la gente sólo quería ir a tomarse fotos.

le robo la frase a don carlos de la o en su twitter: “No me lo tomen a mal pero la gente puede ir al museo en la disposición mental que se le pegue la gana.”

¿cuál es el verdadero problema? ¿qué exista algo de alta cultura que el gran público se lanzó a ver y que le gustó y le pareció bonito y lo validó estéticamente hablando? ¿de verdad son tan sabios y tan profundos que ustedes, librepensadores, si entendieron la obra (o como son sabios y cultos ni siquiera tuvieron intención de ir a la exposición porque piensan que kusama es una artista menor) y desde su alta cultura se sienten con el derecho a enjuiciar a 300,000 que se formaron para poder entrar y que ya dentro tomaron fotos? ¿y si así fuera? ¿por cada selfie que se tomaron los 300,000 visitantes se murieron niños o se taló un árbol? (nota 3: una selfie, la autofoto, que aunque es un ejercicio narcisista, es también un acto de autoaceptación y de autovalidación: este soy yo, aquí y ahora, lo cual, al resto del mundo nos debería de importar poco)

sin duda la estrategia de comunicación del tamayo fue la correcta (nota 4: supe que existía la señora kusama el día que recibí el correo informativo del museo tamayo, 6 meses antes, que vendría la exposición. al ver la foto de la instalación “obsesión infinita”, con la que cierra la exposición (y este post) apunté la fecha para verla) y la gente que empezó a ir y quienes verdaderamente hicieron la publicidad en sus redes sociales con sus selfies y que ayudaron a incrementar el interés. si con eso se logró que la gente fuera, pagara su entrada, visitara un museo, viera algo que nunca había visto y dijera “¡qué bonito es esto! me tomo una selfie” ¿no son esas personas las mismas a los que critican una y otra vez porque “nunca van a un museo” o “nunca leen un libro” o “siempre están hablando de futbol”?

¿de verdad somos incapaces como sociedad de ver algo positivo en que muchos visiten un museo? ¿o de verdad leemos tanto y somos tan cultos como para ofendernos que los demás, “todos los que no son yo”, vayan a un museo y lo disfruten desde su propia perspectiva? ¿por qué será? ¿de verdad somos incapaces de ver algo bueno en algo bueno que se hizo en un museo mexicano? aplausos al museo tamayo por haber hecho lo que hicieron, aplausos a la gente por ir.

ahora, museos de méxico: el reto es superarlo: subamos el nivel: hay interés, hay formas, la gente está dispuesta a formarse para entrar a un museo. saquémosle provecho. si 300,000 visitaron a una artista si no menor si muy desconocida, ¿qué más podemos hacer si le echamos ganas? ¿podemos abrir panoramas de lo que es la creación artística y salir del molde “sólo hacemos fila para ver a frida kahlo”?

y claro, es un bonito botón de muestra para documentar como “todo el que piensa diferente de mi es un pendejo y lo desprecio” que es tan típico de nuestra mexicaneidad.  a cada rato nos veo enarbolar la frase de benito juárez y nos llenamos el hocico con ese “el respeto al derecho ajeno es la paz” pero nos da pena decir, colectivamente, que realmente nos encantaría que la frasecita dijera “el respeto a mi derecho es la paz”.  conozco a más de uno que habla de tolerancia e inclusión, pero cuando uno empieza a discutir ideas lo insultan y lo descalifican porque en realidad no son ni tolerantes ni incluyentes (algunos hasta estudian filosofía o psicología o ciencias políticas, y se supone esas disciplinas deberían ayudarles a entender otredades, en fin).

(nota 5: y si: fui y me tomé fotos).

juan, juan, juan. un año ya.

juan, mi querido juan. hoy, hace un año moriste en esta tu adoptada ciudad de méxico. haces falta. me haces falta. es absurdo, nunca te conocí ni fuiste mi amigo. no charlamos largamente sobre la vida, la poesía, la política, el exilio, los amigos, buenos aires, el amor, las palabras y la sustantivización de tus verbos o tu verbalización de tus sustantivos, no bebí vino o café en tu casa. nunca pude contarte lo que tu poesía, tus palabras, me hicieron. ¿me salvaron la vida? creo que si. en tus palabras encontré cosas que nada ni nadie me pudo decir de otra manera. desde esos versos que escuché (el texto se llama “sefiní” del libro “cólera buey” de 1964)

y que no sabía que los habías escrito tú:

basta por esta noche cierro

la puerta me pongo

el saco guardo

los papelitos donde

no hago sino hablar de ti

mentir sobre tu paradero

cuerpo que me has de temblar

hace un año escribí sobre tu muerte en este mismo blog y escribí este recuerdo que tengo de ti:

la primera vez que fui a una de sus lecturas de poemas, que dio junto a eduardo millán, le di las gracias. me autografió el libro, me temblaban las manos y me sorprendió lo alto que era y sus manos. le dije “gracias”, me dijo “no hay porque agradecer”, le dije “gracias por la poesía” y respondió, muy serio, “ah, no, esa es de todos”.

te sigo agradecido juan, mi querido juan. te extraño. haces falta acá. 

como satélites que pasan

“backspace unwind” es el último disco de lamb, el dueto de manchester. apenas salió en octubre de 2014. todo el sonido de lamb se encuentra ahí. 

la nostalgia, la felicidad, el misterio en la voz de lou rhodes (ella y andy barlow comenzaron su camino juntos en 1996, exponentes del trip hop, del sonido bristol, del drum & bass, con el disco homónimo “lamb” que casi cierra con la fantástica “gorécki”), los extraños sonidos que se descubren y se disfrutan mucho más cuando es de madrugada o hace frío y los audífonos te envuelven.

un disco maravilloso, de esos discos perfectos. su tercera canción, “as satellites go by” es de las que comunican maravilla en la piel.

y suena así:

un rato lleno de sombras

“the inevitable end” es el último disco de los noruegos de röyksopp. es el último disco porque está disponible desde el  7 de noviembre y porque el dueto (svein berge & torbjørn brundtland) anunció que será el último disco como tal: es decir, seguirán haciendo música, pero abandonan el formato del disco como tal, el grupo de canciones que se juntan alrededor de un concepto. lo cual es una tristeza, pero supongo que es un proceso natural en esta época digital y donde lo inmediato es lo esperado: vivimos en un mundo donde todo lo queremos y lo queremos ahora y lo podemos tener.

con este disco röyksopp termina un ciclo largo que empezó con “melody  a.m.” del 2001, un muy buen disco, lleno de sonidos electrónicos y de maravillas como “sparks”, “poor leno” y “röyksopp’s night out”, maravillas de aquel entonces. este primer disco es bueno, pero en 2005 llegaría “the understanding”. uuuuuuh. discazo. maravilla. recuerdo haber escuchado el disco por primera vez una mañana de agosto en mi cama, como los sonidos iban invadiéndome. en este disco está el mejor momento del grupo: “beautiful day without you”, “what else is there?” y “circuit breaker”, seguidos uno tras otro, ¡wow! el tercer álbum de estudio es el luminoso y feliz “junior” (2009) al que le siguió el críptico y obscuro “senior” (2010). (aunque a principios de 2014 sacaron junto con la sueca robyn el ep “do it again” que también es disco concepto aunque breve, pero la simple existencia de la canción “monument” lo convierte en disco) y así, “the inevitable end”, llega como quinto y último disco.

este es un disco lleno de sombras: un disco perfecto para escucharse de principio a fin. un disco triste y melancólico. el disco comienza con “skulls”, una maravilla; luego “monument”, la versión de este disco que es de las obsesiones más grandes que he tenido en mucho tiempo, avanza con “sordid affair”, “running to the sea”, una de las grandes canciones de röyksopp que merecía un lugar en un disco… y llega la canción 12 que es “thank you”, así se despiden del formato. (el disco tiene 5 bonus tracks o un prólogo, como se le quiera ver). como buen disco de röyksopp tiene colaboraciones importantes con las voces de ryan james, jamie irrepressible, robyn y susanne sundfør. con este disco, termina una etapa de 13 años en que el grupo hizo discos: veamos que pasa ahora.

un disco íntimo. si “senior” parecía obscuro, este que aparenta cierta felicidad, le gana. pareciera un disco que se gestó desde que hicieron “what else is there?”. un disco perfecto para escucharse con audífonos, un disco para la noche o para un día frío y soleado. un disco para temblar por dentro.

la mirada presente

para ángela, que me insistió en que viera el documental

***

cuando hace años supe que john cage había compuesto organ²/aslsp (as slow as possible) y que su interpretación duraría 639 años en una iglesia de alemania, sentí escalofríos ante pensar en una pieza musical donde lo importante no es la música en sí sino el planteamiento filosófico y estético. que la obra se esté tocando actualmente y que su próximo acorde sonará en 2020 me hace sorprenderme de la conceptualización de la pieza. de por sí, cuando pienso en gustav mahler concibiendo mentalmente cada pieza de sus maravillas sinfónicas y me maravillo, pienso en qué habrá sentido don john cage en el sólo hecho de pensar esta obra. lo más increíble de la pieza no es la música, es la idea.

esto viene a cuento porque acabo de ver un documental que se llama “the artist is present” de marina abramović (nació en serbia en 1946, este año, muy pronto, cumplirá 68 años). el documental muestra la puesta en escena de una obra que se llamó así, “the artist is present” y que se presentó en el MoMA de nueva york del 14 de marzo al 31 de mayo de 2010 como la pieza principal (¿es un pieza como tal?) de la retrospectiva que organizó el museo para esta artista. la abuela del performance art, le dicen. la que usó y la que aún usa su cuerpo como lienzo y como material de trabajo, su cuerpo como medio y como forma. fue de las pioneras en esto y es una de las muy grandes en el mundo del arte contemporáneo (por cierto: no soy muy amigo del arte contemporáneo y menos amigo del performance). 

la pieza consiste en sentarse en una silla, frente a la silla hay una mesa y otra silla, dentro de un espacio vacío, y que la gente que quiera se siente en la silla y se miren a los ojos. durante ese tiempo marina abramović le dedica la mirada a esa persona y sucede que la otra persona y marina tienden un puente de miradas hasta que el espectador se levanta y se va. y así sucedió todos los días, durante las horas del museo. una de las tensiones narrativas del documental es: ¿logrará la artista estar tantos días sentada frente a un público, sentada y sin moverse, silenciosa, mirando? otra de las tensiones narrativas: ¿qué ve el espectador?

la pieza se apoya en la mirada. la mirada del otro: el poder entender la presencia de otro cuerpo, como un espejo (o no, pero el simple hecho de mirar al otro logrará que exista un puente, sin que otra cosa suceda, no hay contacto físico ni diálogo, es una mirada que sucede ahí y entonces). el arte de esta pieza en particular se vuelve una conexión estética con algo que está ahí y que no necesariamente se puede explicar y sucede la maravilla del arte: logra que cada persona se acerque a la obra de una manera distinta, le gustará o no, le moverá o no, pero el hecho es que la obra está sucediendo en un espacio específico y logra que suceda una conexión con un espectador, con un público, con un momento. hay, en la obra “the artist is present” una manera diferente, personal y aún así muy poderosa de hacer arte. es algo crudo. algo que está ahí: es como escuchar la tercera sinfonía de h. gorécki por primera vez o ver un cuadro de rothko o ver el cuadro de san sebastián de mattia preti (de 1660)o estar frente a cualquier pieza de arte que conmueve al espectador desde adentro y le quita la fuerza para estar de pie.

en fin, un documental poderoso que habla de una artista y de una pieza poderosa. lo importante, de nuevo, quizá no es la pieza en sí, sino la idea. la presencia de la mirada. todo lo demás, sale sobrando.

(una de las cosas interesantes que plantea abramović es que el arte es un negocio y un trabajo con cronogramas a cumplir, negociaciones, viajes, llamadas y faxes, algo que desde el punto de vista del artista no necesariamente es conceptual o glamuroso. Otra de las cosas interesantes es que en el documental se habla y se muestra parte de la obra que abramović realizó junto con quien fuera su pareja, ulay, en particular dos obras: una caminata en la muralla china desde los extremos para encontrarse y terminar su relación amorosa y laboral y sostener una postura sosteniendo un arco y una flecha, uhhhh)